Category: Pintura


Carnicera, secretaria, modelo de alta costura (maniquí), esposa, madre, pintora, escultora, … en una sola mujer. Luisa Sallent nos cuenta las diferentes etapas por las que su vida se ha visto obligada a seguir desde sus orígenes en el pueblo de Ripollet en el que daba de que hablar a sus vecinos al romper los cánones impuestos a las mujeres de los cincuenta hasta sus años compartidos con el marqués de Samaranch, ya fallecido, el que fuera presidente del Comité Olímpico Internacional. Una historia sincera que si oculta algo será bien poco. Vidas y apariencias son las memorias de una mujer que apostó por sobrevivir siendo fiel a sí misma.

Niña de la posguerra que perdió a su abuelo muy pronto y con un padre ausente que abandonó tanto a madre como a hija, marcándola desde el principio como distinta. Adolescente rebelde que sufría las habladurías del pueblo por no seguir la norma al hacer cosas que las mujeres todavía no se atrevían como subir en moto con unos pantalones de hombre o ser modelo que en esos años era como ser actriz, sinónimo en la época de mujer fácil. Para ir madurando se adentra en sus experiencias con los hombres que le trajeron tanto felicidad como tormento. Del primero, su marido, se llevó dos hijos y una experiencia con el maltrato; del segundo se llevó un ahijado y una historia de desengaño; y del tercero, una historia de amor marcada por la sombra hasta el final, ya que nunca se casaría con él, pues la esposa primero y los hijos después serían la fuerza que se opondrían a la relación. Entre tanto se desarrolla como artista en la pintura y la escultura, siendo una mujer independiente.

Ahora tras un año de la muerte de aquel amor se enfrenta a su pasado para purgar sus heridas, pues perdió el equilibrio emocional. Fueron dieciocho años y medio con Juan Antonio Samaranch donde los diez primeros estuvieron en la sombra al ser él un hombre casado, su época más feliz al ser libres. Encontrando junto a él el respeto y el cariño que no había tenido antes. Tras la muerte de su esposa y al agravarse las dolencias de él fueron los hijos los que se opusieron a la relación. Revela el trato ingrato de los hijos tras la muerte de Juan Antonio como una dama, no entra en detalles que ya no ayudan a nadie. El no respetar las últimas voluntades no es esencial a todas las costumbres. Una vez llega el final todo termina.

Como ella misma cuenta, es la primera vez que escribe un libro, se nota. En cada capítulo aparecen un sinfín de anécdotas que le hacen perder el hilo de la narración y debe volver a recapitular sobre el tema. A su favor hay que decir que está escrito desde las entrañas, eso también se nota, es la única forma de llegar a los demás. Con sentimiento es la única forma de poder expresar aquello que dolió y también lo que nos hizo felices. En la entrevista que le hacía Isabel Gemio revelaba que el libro no fue escrito para ser publicado, sino que fue fruto de la casualidad y se dejó llevar. Así que disfruten de la vida de esta valiente mujer.

Publicado en el PERSEGUIDOR del Diario de Avisos de Canarias el miércoles 30 de noviembre de 2011.

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En el audio podréis disfrutar de una entrevista que le hizo Isabel Gemio en Te doy mi palabra.

Sonia Delaunay …

Estar a la sombra de otro cuando también se crea no es fácil. Nicole Kidman no ha sido la única que estuvo en la sombra por culpa de su marido, relegada a un segundo plano como artista, sin recibir los aplausos del público. A Sonia Delaunay también le pasó. Hasta que no murió su marido no empezó a ser reconocida, ya que a ella no se le consideraba creadora al aplicar su obra para la moda y la publicidad. Realmente un creativo publicitario no es artista, pero son muchos los artistas que por necesidad acaban trabajando en la publicidad sin tener que avergonzarse por ello. Aplicando su potencial creativo a las exigencias del briefieng. Si Chéret, Toulouse-Lautrec o Mucha pudieron los demás también. La retroalimentación creativa artística con el medio publicitario siempre ha sido buena, pero después esta sociedad le pide al artista que cree por instinto propio aquello que tiene en su interior y que le atormenta para ofrecerlo como producto en exposiciones itinerantes.

En silencio, los Delaunay inventan un arte de puro color. Nos encontramos ante un arte totalmente nuevo en referencia a la pintura de hoy en día, como lo es la música a la literatura. Será pura pintura (Apollinaire 1912). Cuando dos artistas comparten su arte y su vida es inevitable que se influyan mutuamente. Crearán estilos y obras similares que en algún momento avanzarán hacia algo propio e individual. Así compartieron el cubismo y el orfismo. Sus círculos de colores estridentes revolucionaron el arte y la industria.

Vivieron un tiempo por estas tierras (estuvieron en la península de 1914 a 1921), influyendo la luz en su obra. En el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid existe obra de ambos. Además realizaron una de las primeras exposiciones en la que se situaba a los dos en el mismo umbral de la creación con una retrospectiva sobre su obra, demostrando su contribución a la pintura moderna.

Para un artista el reconocimiento normalmente no llega en vida, suelen ser los herederos los que se nutren de los beneficios de la obra a lo largo de los años. Pero de vez en cuando existen excepciones que nutren el alma creativa. Así fue la primera mujer que vio en vida sus obras expuestas en el Louvre al recibir el Museo Nacional de Arte Moderno de París una donación de 58 obras suyas en 1964. Además en 1975 le dieron la Legión de Honor, la más conocida e importante de las condecoraciones francesas que se concede tanto a hombres como a mujeres por méritos extraordinarios. Murió cuatro años después.

Paula Modersohn-Becker …

El primer trabajo que descubrí de ella fue Autorretrato en mi sexto aniversario de boda en el que la observamos medio desnuda y en una pose ante el espejo que las mujeres suelen utilizar para admirar su próxima maternidad con dulzura, ya que acoge su vientre entre sus brazos a su cobijo. Me pareció un tema renovador en su época, ya que la mujer sólo pintaba temas de la intimidad del hogar y aquello era dar un paso más hacia los temas clásicos como el desnudo femenino pero con un toque femenino real, una perspectiva no contemplada con anterioridad, sólo una mujer puede pintar sobre la maternidad, sobre su espera, sobre el dolor de su ausencia o sobre su placer. En el caso de Paula es el ansia por alcanzarla lo que la mueve como en Frida, aunque al fin le costase la vida.

Fue pionera de la corriente expresionista germana, se empezó a manifestar a partir de 1905 con la actividad del grupo Die Brücke o El Puente en Dresde, dos años antes de su muerte (1907). Ella, presentada al escultor Rodin a través de un escueto billete mencionando su condición de esposa del famoso pintor Otto Modersohn, fue prácticamente ignorada por el escultor francés, no es de extrañar pues el mismo se había acabado alejando de su ayudante y amante Camille Claudel, dejando que su genio escultórico se perdiera en una institución mental.

Fue una de las introductoras de motivos primitivos en el arte alemán de inicios del siglo XX, como Gauguin que según la historiadora del arte Christa Murken Altrogge, Paula Modersohn-Becker fue la primera artista alemana que percibió el talento revolucionario de este pintor. Recordando el autorretrato anterior podemos ver la desnudez de sus senos, el collar de bolas y el tipo de falda que nos muestra nos recuerda a los signos que identifican a las tribus indígenas como pintó él.

Afirman que en su pintura se mezcla el impresionismo de Cézanne o Gauguin, el cubismo de Picasso, el fauvismo, el arte japonés y el renacimiento alemán. Aunque murió a los treinta y un años realizó setecientos cincuenta lienzos, trece estampas y cerca de un millar de dibujos. La fuerza expresiva de su obra transgredió los límites del arte en la sociedad que la rodeaba, siendo incomprendida, por ello encontró en París su camino. Estuvo antologada por los nazis en la secuencia de exposiciones Arte Degenerado, como en la precedente a la de Munich en 1937, sin existir un cambio hacia ella por la postvanguardia.

En el décimo aniversario de su muerte se publicó Un artista: Paula Becker-Modersohn – Cartas y Diario, un extracto de sus cartas y su diario. El museo Paula Modersohn-Becker está en Bremen desde 1927, donde se expone una selección de las mejores obras de la artista, que se pudo ampliar a partir de 1978 por la contribución de la Fundación Paula Modersohn-Becker.

María Blanchard …

Aguantaba la lluvia de risa que causaba, sin querer, su cuerpo de bufón de ópera, y la risa que causaban sus primeras exposiciones […] Con toda sinceridad. Te he llamado jorobada constantemente y no he dicho nada de tus hermosos ojos, que se llenaban de lágrimas, con el mismo ritmo que sube el mercurio por el termómetro, ni he hablado de tus manos magistrales. Pero hablo de tu cabellera y la elogio, y digo aquí que tenías una mata de pelo tan generosa y tan bella que quería cubrir tu cuerpo, como la palmera cubrió al niño que tú amabas en la huída a Egipto. Porque eras jorobada, ¿y qué? Los hombres entienden poco las cosas y yo te digo, María Blanchard, como amigo de tu sombra, que tú tenías la mata de pelo más hermosa que ha habido en España. Es parte de la Elegía a María Blanchard de Lorca en la que nos habla de sus problemas físicos, los cuales marcaron su vida con dolor y vergüenza. Por una caída de su madre durante el embarazo nació con una deformidad. Era jorobada, coja, enana y miope.

Su formación fue de Madrid a París. Superó el academicismo, acercándose a la estética fauvista y practicando el cubismo emergente en aquella época. Paris significó la libertad. Tuvo una época cubista, aunque nunca abandonó el figurativismo, aún después de superar tal época se encuentran influencias en la composición. Conoció a pintores como Diego Ribera o Juan Gris.

Tras su primera época en París regresó, dedicándose a la enseñanza. Las burlas de sus alumnos por su aspecto físico le hicieron abandonar. Regresaría a París definitivamente. En el retrato que la pintora sueca Tora Vega Holmström le hizo en 1921 observamos una mujer ausente, realmente encontró consuelo en la soledad y el aislamiento de la sociedad que tanto daño le hizo.

La enfermedad, el abandono físico, los problemas económicos y la sobrecarga familiar aceleran su final. En L´Intransigeant aparecería: La artista española, ha muerto anoche, después de una dolorosa enfermedad. El sitio que ocupaba en el arte contemporáneo era preponderante. Su arte, poderoso, hecho de misticismo y de un amor apasionado por la profesión, quedará como uno de los auténticos artistas y más significativos de nuestra época. Su vida de reclusa y enferma, había por otro lado contribuido a desarrollar y a agudizar singularmente una de las más bellas inteligencias de ese tiempo. No olvidemos que formó parte de exposiciones en París, Bruselas o Londres, aunque fuese olvidada en sus raíces. Murió de tuberculosis a los 51 años.

Grandma Moses …

A veces una se pregunta si tras pasar la barrera de los 30 no será demasiado tarde para algunas cosas, para los proyectos creativos de los que pueden cambiar la vida. Entonces te das de bruces con Anna Mary Robertson Moses (Grandma Moses), una artista naif estadounidense que a los 70 comenzó a pintar paisajes y granjas. Sin pensarlo ella si cambió su vida, gracias a una serie de casualidades o quizá fuera parte de lo que el destino le ofrecía como recompensa tras todo su sufrimiento y dura lucha.

Hija y mujer de peón de granja. Vida dura y diez hijos, cinco murieron demasiado pronto. Consiguió su propia granja y vendía sus bordados. A los 70 la artritis la hizo cambiar de actividad, así comenzó en la pintura.

Las técnicas sobre proporción y detalles aprendidas en los bordados las aplicó en la pintura. Comenzó a vender los cuadros en supermercados a 10 dólares. Un coleccionista los descubrió en 1938 y un año después Otto Kallir expuso parte de ellos en la Galería Saint-Etienne. Empezó a ser conocida en Europa y Japón, donde su detallismo y definición de trazo son comprendidos al formar parte de su técnica artística.

En su 100 cumpleaños (7 de septiembre de 1960) el gobernador de Nueva York, Nelson Rockefeller, proclama el Grandma Moses Day. Moriría un año después con 101 años.

Laura Knight …

Mi interior sigue diciendo aún hoy en día -: seguir, seguir intentando algo diferente. El precio estimado de los cuadros de Laura Knight, pintora impresionista inglesa, que fue considerada discípula de Picasso está entre 112.524,16 y 168.786,24 €. Famosa por captar el mundo del teatro de Londres, el ballet y el circo, fue miembro de la Newlyn Escuela de arte y fue la primera mujer artista que fue nombrada Dama del Imperio Británico.

Era de familia pobre. En la adolescencia se quedó huerfana y tuvo que empezar a ganar el dinero necesario para mantenerse. Ingresó en la escuela de arte de Nottingham a los 13 años: se dice que fue la alumna más joven de la historia del centro.

Tras la I Guerra Mundial empezó a retratar el mundo del espectáculo, en especial el circo, el teatro y el ballet. Pintaba como Degas escenas de los camerinos de las bailarinas e incluso entre bastidores. Al fracturarse la muñeca en 1922 cambió de técnica, eligiendo el grabado.

Sus primeras obras de escenas domésticas, retratos y chicas en la playa la descubren en la luminosidad de sus óleos como una pintora clave del impresionismo inglés.

Se casó con Harold Knight (también pintor de éxito) y disfrutó de una vida rodeada de pintores, escritores y músicos.

Montserrat Gudiol …

Pintora que en 1981 fue la primera mujer que ingresó en la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jordi. Comienza a formarse en la pintura de modo autodidacta en el estudio de restauración de pintura medieval de su familia.

Los óleos y los dibujos impecables de Montserrat Gudiol nos revelan, además la fuerte personalidad de una mujer, su capacidad de trabajo y de lucha, su infinita ternura de madre, pero también la extrema problemática del ser humano.

En 1951 trabaja unos meses en el taller del pintor Ramón Rogent. Es en la década de los cincuenta cuando completa su formación realizando viajes por Inglaterra, Francia, Suiza e Italia. 1962 es el momento en el que empieza a profesionalizarse en la pintura y momento en el que establece definitivamente algunos rasgos que van a ser característicos de toda su obra.

En 1998 recibió la Cruz de San Jorge que otorga la Generalidad de Cataluña.

Sarah Miriam Peale …

Fue una pintora estadounidense, una de las primeras mujeres en los Estados Unidos que consiguió el reconocimiento profesional como artista. Pintaba al óleo. Sus temas fueron el bodegón, la miniatura y los retratos.

Era hija del pintor estadounidense James Peale, quien fue su primer maestro; también estudió con su primo, el también pintor Rembrandt Peale.

Ella y su hermana fueron las primeras mujeres en entrar en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania. En la colección permanente del Museo Nacional de Mujeres Artistas, en Washington, DC, se conservan Isaac Avery y Susan Avery, retratos de 1821.

Murió en 1885.

Artemisia Gentileschi …

Precoz pintora del Barroco (1593-1652) considerada una de las artistas más completas de su generación en una época en la que las mujeres no eran aceptadas fácilmente. Pintó cuadros históricos y religiosos cuando estos temas heroicos eran inadecuados para el espíritu femenino. Representa un caravaggismo violento.

La mujer era discriminada del arte, pero el hecho de ser hija de un pintor (Orazio Gentileschi), le permitió trabajar en su taller demostrando más talento que sus hermanos varones.

Un escándalo marcó su vida. Tassi la violó en 1612. Su padre lo denunció ante el tribunal papal al no mantener su promesa de matrimonio. Tras el proceso consiguió casarse con un modesto artista, lo que restituyó su honorabilidad al ser violada, engañada y denigrada.

Gracias a los estudios en clave feminista se rescató del olvido. Subrayaron su sufrimiento por la violación y maltrato, lo que determinaría la fuerza expresiva que asume su lenguaje pictórico representando heroínas bíblicas  que muestran su rebelión contra las condiciones a las que les condenaba su sexo.

Luchó con determinación, usando el arma de su personalidad y de sus cualidades artísticas, contra los prejuicios expresados en contra de las mujeres pintoras. Entró en el círculo de los pintores más respetados de su época, dominando varios géneros pictóricos.

Su éxito y la fascinación que emanaba de su figura, alimentaron rumores sobre su vida privada.

Romaine Brooks …

Robert de Montesquiou la llamó ladrona de almas, todavía hoy se utiliza ese nombre al hablar de sus pinturas. Pintora estadounidense con influencias del movimiento simbolista. Fue la primera y única mujer que estudió en la Academia de Arte de Roma, donde fue humillada, acosada y ridiculizada.

De infancia dura, con una madre ausente, un hermano con problemas mentales al que cuidar y un padre que los abandonó. Cuando su madre murió, le dejó una fortuna y sus penurias desaparecieron.

Se casó con el pianista John Ellington Brooks, con el que no duró más de un año. Después de su divorcio se cortó el pelo, comenzó a vestir con ropa masculina y se fue a París, donde comenzó a pintar.

Sus retratos captan la esencia de los modelos, y no sólo son grandes ejemplos de retratos modernos sino tambien valioso material para entender la sociedad europea de principios del siglo XX. Sus obras más conocidas son retratos al óleo, con abundante uso del color gris, en ellos retrata a las lesbianas que iban al Salón Barney.

Tuvo varios romances tanto con hombres como con mujeres, como Gabriele d’Annunzio, Ida Rubinstein, la Princesa Edmind de Polignac y Lord Alfred Douglas, aunque su relación más importante fue con Natalie Clifford Barney, con quien estuvo 50 años.

Brooks se separó de Barney a los 90 años, tras varias infidelidades de Natalie durante años. A pesar de sus disculpas y cartas, nunca la aceptó de vuelta y murió sola en 1970 a los 96 años.