Category: Fotografía


Dorothea Lange …

La imagen que la gente más conoce de su trabajo es Madre Migrante, su mayor clásico. Una mujer que no mira a cámara que no enfrenta al espectador, dirige su mirada al infinito, algún lugar perdido fuera de campo. Se hunde en su amargura. Sus hijos se refugian en ella, ocultando sus rostros a su cobijo materno.Nos ofrece una dura imagen de la realidad, la miseria en carne viva. No nos oculta el sufrimiento ni la pobreza de los modelos circunstanciales que tuvieron que optar por la pose que estableció la fotógrafa. En el resto que les hizo mostraba más.

Todos en mayor o menor medida en el momento de ejecutar una obra estructuramos unas directrices y Dorothea Lange no fue distinta. Cuenta a lo largo de su carrera parte de sus experiencias. El caso de Florence Owens Thompson fue una de ellas. Parece que entre lo que la artista recordaba y lo que el hijo de Florence contaba hay diferencias, pero que más da. Consiguió una imagen con mucha fuerza, los detalles ya no importan, nunca sabremos que contó la madre desesperada a la fotógrafa y cuál fue la razón por la que dejó que se acercara para hacerles una fotografía. Puede que fuese al no percibir que pudiera hacerles daño al ser una mujer o al darse cuenta que cojeaba de una pierna, sufrió la polio de pequeña, pudiera creer que era alguien que entendía sobre el sufrimiento. Parece que Lange nunca supo el nombre de aquella mujer que la convirtió en una fotógrafa reconocida, ya que gracias a esa imagen muchos la recuerdan. Aquella humilde mujer ha pasado a la historia sin proponérselo.

Prefiero Mother and children (Coca-Cola baby bottle), puede que sea la formación publicitaria que me delata y me corrompe. Ver el reciclaje del objeto de consumo como algo útil más allá de la corta vida que tiene establecida es algo loable, pero más que eso es la tristeza que me transmite. En la anterior los tres modelos no nos implicaban en su desdicha como ahora hacen en esta. Nos miran los tres directamente, nos hacen partícipes. Además somos testigos de algunos detalles de su vida como su transporte y su ropa. Nos muestran la miseria sin artificios. La realidad no se maquilla, aunque posen.

La Gran Depresión convirtió a Lange en fotógrafa real. La obligó a salir a la calle y ser testigo de lo que sucedía más allá de la seguridad de su estudio en el que estaba a cubierto. Así su cámara estuvo parte de su vida al servicio de los campesinos pobres que se veían obligados a recorrer el país en busca de un trabajo que les permitiera mantener a sus familias. Dejándonos impactantes postales para el recuerdo.

Las enfermedades no le impidieron desarrollarse como artista, aunque a lo largo de su vida su salud fue débil. Sus imágenes son referentes de los años treinta y cuarenta en EE.UU, unos 25.ooo negativos que documentaron una época. Fue una de las fotoperiodistas documentales más destacadas e influyentes de su tiempo. Se autodescribió como fotógrafa purista, defensora de la fotografía directa, objetiva y sin pasar por ningún tipo de manipulación. Murió de cáncer en 1965.

París siempre ha sido hogar de artistas. Esta semana vive en ella la fotografía actual más relevante de Europa. Toda feria suele ser un escaparate para la salida de las obras de los autores, fotografías en este caso, aunque también es un modo de dar a conocer nuevas propuestas para convertirse en un foro de intercambio. Ahora los franceses dedican un pequeño homenaje al continente del reparto de la tarta y le dedican una mirada comercial, después de mucho tiempo en el olvido. El presente africano es fruto de las  decisiones de las potencias europeas, Inglaterra y Francia, que desencadenaron los dos mayores conflictos armados de la historia reciente de nuestros antepasados ante una Alemania poco convencida de que aquel pedazo resultante fuera el adecuado para su poder y situación. Si se fijan el mapa que ha llegado a nuestros días de África es irreal, el cual ha dado como fruto también otra serie de conflictos, siendo las fronteras una infinidad de líneas rectas trazadas con cartabón y escuadra para que no tuvieran formas serpenteantes que les llevasen a no saber que pedazo era de uno u otro.

Aquel pasado lejano dio como resultado el presente que hoy sufren muchas personas que sobreviven en la miseria en la época postapartheid, las desigualdades y las luchas raciales parecen olvidadas al no hablarse de ellas, pero existen por todas partes, incluso a la vuelta de la esquina. Cuando las personas abandonan sus hogares y se suben a un cayuco arriesgando su vida y la de su familia es porque tras ellos no dejan nada mejor, tan sólo la miseria y con el tiempo la muerte. Los artistas reflejan la realidad que sufren, parece que el viejo continente quiere mirar a través de ellos. Un mosaico no les va ofrecer la realidad, tan sólo una pequeña parte de su mirada.

Marc Prüst, comisario de la muestra, afirma que el marco ideal para apreciar la fotografía africana está en los encuentros que se vienen celebrando en Mali, Nigeria o en Etiopía y, aunque cree que es insuficiente para dar a conocer lo que está pasando en África, el trabajo de las jóvenes generaciones y su enorme potencial.

Es una ventana hacia el viejo continente para lograr salir de aquello que refleja su trabajo o para conseguir vender parte de su obra para regresar y seguir siendo la voz de los olvidados que tan sólo tienen tiempo para sobrevivir, su lucha ante la muerte es su único objetivo.

Gerda Taro …

Una muerte prematura y traumática.  Una mujer aplastada bajo un carro de combate. Huía del avance de las tropas franquistas en un coche con soldados heridos. Un ataque de la aviación hizo que un tanque republicano les golpeara haciéndola caer al suelo. Las cadenas pasaron sobre ella. La llevaron a un hospital en El Escorial donde murió en la madrugada del 26 de julio. Se fue unos días antes de cumplir 27 años. Fue la primera fotógrafa de guerra y la primera en morir en ella. Fotografió a las mujeres, ya fuera en la contienda o en la retaguardia con sus hijos.

Gerta Pohorylle era judía, de familia acomodada,recibió una buena educación, siempre fue de izquierdas y estuvo en contra del régimen nacionalsocialista en Alemania. Se exilió en París, estuvo en contacto con medios intelectuales de izquierdas, empezó a trabajar para una agencia de fotografía como editora, y conoció al húngaro Endre Friedman (Capa).

Capa y Taro compartieron trabajo y vida en París y en España, durante el conflicto de la Guerra Civil española, hecho que les haría pasar a la historia. Aunque la sombra del olvido se posó sobre ella para no ser recuperada hasta los años 90, diferenciando su obra de la de él. Con sus fotografías sobre milicianas cambió el rol de la mujer que toma las armas para defender la causa en la que cree sin esperar en casa a que regrese su hombre de la guerra. Su fotografía fue más intimista y cercana, de sentimientos, mostró el dolor de una población masacrada por la barbarie.

Irme Schaber, investigadora alemana que recuperó su nombre y su obra afirmó: su figura es un ejemplo visible de cómo la historia de las mujeres se ha visto generalmente desdibujada y ocultada, hasta el punto de que los tres motivos fundamentales por los que Taro fue tomada en consideración eran: haber vivido y trabajado con un hombre famoso, ser atractiva y la tragedia de su muerte. Tres elementos que no han hecho sino dificultar una apreciación equilibrada de lo que simbolizó y representó su trabajo como reportera en la Guerra Civil.

Eve Arnold …

Recordada por sus fotografías de Marilyn Monroe en las que se acercó a la mujer, rompiendo la imagen estática de icono sex symbol que habían contruido alrededor de la actriz, sus instantáneas son de momentos cotidianos que nos acercan más a la persona real. Imágenes íntimas que transmiten complicidad y confianza. La fotografió desde el 51 hasta su muerte.

Fue la primera mujer miembro de la Agencia Magnum. Cambió la idea de que las mujeres no pueden ser buenos fotógrafos y que sólo sirven para salir frente a las cámaras. Es la principal representación femenina en la historia de la fotografía artística.

Aprendió fotografía en 1948 en la New School for Social Research de Manhattan con Alexei Brodovitch director de arte de Harper’s Bazaar.

Se ha ganado el reconocimiento internacional de la crítica y el público por sus ensayos fotográficos sobre China, Afganistán y la Unión Soviética, así como por los retratos cálidos e íntimos de dignatarios y estrellas de cine.

Entre los premios obtenidos: National Book Award (1980), Lifetime Achievement Award por la American Society of Magazine Photographers (1980), Miembro de la Royal Photographic Society y Master Photographer (nombramiento más prestigioso del mundo gráfico) en 1995, Premio del New York’s International Center of Photography (1995), Kraszna-Krausz Book Award (1996), Doctor Honoris Causa en Ciencias por la Universidad de St. Andrews (Escocia) y Doctor Honoris Causa en Letras por la Universidad de Staffordshire (1997), Doctora en Humanidades por la Universidad de Richmond en London (1997), Miembro del Comité del National Museum of Photography, Film & Television en Bradford (1997), O.B.E. (Order of the British Empire) honorífico por el Gobierno Británico (2003).

En los 60 se trasladó a Londres, donde vive desde entonces.  Ahora a sus 99 años se refugia en la lectura en una residencia de ancianos al no poder soportar el peso de una cámara en sus manos.

Zanele Muholi …

Mujer, lesbiana y negra. Su trabajo, franco e intimista, desafía la forma en la que se ha representado a los cuerpos negros de mujeres en la fotografía documental. Reconocida internacionalmente, ha trabajado el videoarte, la escritura y otras formas de representación, como vías para el cambio social a través del activismo. Muholi documenta la historia de las lesbianas sudafricanas en la época post-apartheid.

En Sudáfrica una niña tiene más probabilidades de ser violada que de aprender a leer; una cuarta parte sufre una agresión sexual antes de cumplir los 16 años. A esta realidad se suma la tristemente conocida como violación correctiva, práctica común para “curar” la homosexualidad femenina.

Al hablar de su arte, se considera privilegiada dentro de la comunidad lesbiana … el trabajo que hago es a la vez una auto-reflexión, así como una representación de mí y de las demás. Son fotografías de nuestras vidas, no sólo de mi vida sino de las nuestras. La intimidad y las relaciones son imprescindibles en mi fotografía. Toda mujer que haya conocido la experiencia de sentir y explorar el cuerpo de otra mujer entenderá su significado, y cómo contribuye a apoyar a quienes no pueden expresarse libremente en sus lugares y localidades… Me interesan las identidades, a veces complejas, que afirman nuestro ser. En la mayoría de fotos capturo un cuerpo de mujer porque para mí es la forma, un arte, un material, una estética, un paisaje y una maestra. Mi fotografía trata del amor, la vida, el dolor, la pérdida y todo lo que aprendemos a través de los diversos viajes que las mujeres experimentamos en el amor con otras mujeres. También pretendo que mi obra sea una referencia para informar, educar, y también compartir nuestra cultura lesbiana negra y, lo más importante, para entretener a los que tienen los mismos sentimientos.

Mi objetivo es expresar y compartir algunas de las experiencias diarias que nos encontramos como lesbianas negras en nuestros espacios. Por ejemplo, las cuestiones de género, sexualidad y clase son evidentes en algunos de mis proyectos, aunque otros hablan de las semejanzas y la igualdad. A pesar de que nuestra sexualidad común nos mantiene unidas, seguimos siendo diferentes.

Fue premio a la Mejor Fotógrafa Femenina en la Bienal Africana de Bamako en 2009. Participó a principios de año en una exposición en el Círculo de Bellas Artes (Madrid), África.es, exposición colectiva, iniciativa de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECI), en la que se reunía a siete artistas africanos con el reto de fotografiar algunas ciudades españolas desde su visión, ella era la única mujer.

Florence Henri …

Se considera a Florence Henri una de las figuras más interesantes e innovadoras de la fotografía del período de entreguerras.

Investigó en artes como la música o la pintura hasta llegar a la fotografía. Se relacionó con Jean Arp y László Moholy-Nagby, fue a los cursos de Weimar de la Bauhaus impartidos por Kandinsky y Klee, así como a las clases de Hans Hofmann en Múnich, y fue ayudante en el estudio de Archipenko, entrando en contacto con la vanguardia rusa.

En la fotografía comenzó haciendo retratos, autorretratos en el espejo y composiciones con objetos cotidianos. También  realizó fotografías de desnudos femeninos superpuestos en imágenes de paisajes tomadas en diferentes lugares y épocas.

Al principio, su fuente de ingresos fueron los retratos de cliente de clase media, que realizaba con una cámara de placas de gran formato que eran retocados. Pero pronto llegó la fotografía de moda y publicidad.

Fueron muchos los artistas retratados por ella: Sonia Delaunay (1931), Fernand Léger, Wassily Kandinsky (1934), Robert Delaunay (1937 y 1939), Hans Arp (1937), Ivan Puni (1939), Jacques Villon (1939) o el escritor Ernst Junger (1942).

Su obra fue cada vez más valorada en el contexto de las vanguardias a las luz de las nuevas revisiones y estudios del arte de los años veinte y treinta, además de ser objeto de numerosas retrospectivas en algunas de las más prestigiosas instituciones internacionales.

Pasó los últimos años de su vida inmóvil por un accidente sufrido en 1979. Murió el 24 julio de 1982.

Helena Christensen …

Helena Christensen, conocida antes como modelo y ahora como fotógrafa, fue crítica ante las infructuosas soluciones de las dos cumbres sobre el clima celebradas.  En la tienda de Hoss Intropia en Valencia, de la que es rostro en el catálogo primavera-verano 2011, se exhibe en exclusiva para España su muestra fotográfica realizada para concienciar sobre la realidad del cambio climático.

La exposición ‘Rampurwa, Nepal‘, podrá verse hasta finales de mes en el espacio contiguo de la tienda, son veinte imágenes que retratan el rostro humano del cambio climático en la pequeña aldea nepalí de Rampurwa, donde pudo “hablar con las mujeres” del lugar, sentarse con ellas y “oír cómo están luchando para sobrevivir“.

Tina Modotti …

Fotografía: Edward Weston, 1924

En su tumba un poema de Pablo Neruda, la recuerda: Tina Modotti, hermana, no duermes, no, no duermes; tal vez tu corazón oye crecer la rosa de ayer, la última rosa de ayer, la nueva rosa… Tina Modotti fue una mujer que vivió una vida intensa, profunda y comprometida con la época que le tocó vivir. A lo largo de su complicada vida tuvo tiempo para hacer fotografías. Aunque nunca presumió de artista: Soy una fotógrafa y nada más, escribió.

Siempre fumando, siempre con su chaqueta negra, su falda negra, unos zapatos de trabita de tacón bajo, una blusa blanca y el pelo recogido en un moño, esta era la indumentaria que Tina llevó casi toda su vida; no podía pasar por su cabeza tener o ser más que nadie. Fue humilde su infancia en Udine (1896), al norte de Italia, cerca de Trieste, escenario de inspiración de grandes escritores como James Joyce o Rainer María Rilke.

Llega a México muy joven, haciéndose miembro del Partido Comunista Méxicano (1927). Más tarde es acusada de formar parte en el complot para el asesinato del presidente por lo que es exiliada y viaja a la Unión Soviética.

En el año 1934 llega a España y participa activamente en la guerra civil en las Brigadas Internacionales. Después de la guerra vuelve  a México como asilada, una vez que es anulada su orden de expulsión (1939). Sigue su actividad política siendo miembro de la Alianza Antifascista Giuseppe Garibaldi.

Tina Modotti: Madre y niño Tehuantepec (1929).

Su afición por el mundo de la fotografía se remonta al año 1921. Tina Modotti tabajaba como modelo del fotógrafo norteamericano Edward Weston. Su fotografía muestra la grandeza de las cuestiones sencillas del día a día, así como a las gentes que tienen que utilizar el trabajo de sus manos para ganarse la subsistencia.

En 1942 muere en México como consecuencia de un ataque cardíaco.

Bettie Page …

The Dark Angel fue la pin-up más célebre de los años 50 en Estados Unidos, aún hoy, es todo un símbolo sexual. Con cerca de 20.000 fotografías, ha sido la pin-up más retratada de la historia. Su salto a la fama fue con un posado como Miss Enero en la revista Playboy en 1955.

Berrie Mae Page nació el 22 de abril de 1923 en Nashville, Tennessee (EE.UU). Fruto de un hogar desmembrado, Page describiría a su padre como un obseso sexual que empezó a acosarla cuando tenía 13 años.

En los años 40 empezó a hacer de modelo para fotógrafos. Pronto destacó como la “Reina del Bondage“. Y no tardó en convertirse en la modelo más codiciada de la década.

En el cine hizo “Strip-o-Rama” y más tarde “Varietease” (1954) y “Teaserama” (1955), joyas del cine erótico de la época. Hasta el director Howard Hughes intentó ficharla.

La fotógrafa (y pin-up) Bunny Yeager le hizo algunas de sus fotos más famosas, incluyendo el póster central de Playboy de enero de 1955. El mismo año fue elegida “Pin-up Girl of the World“.

Bettie Page en Playboy (1955).

Fue un momento clave. “Un hito en la historia de la revista“, según indicó tiempo después el fundador de la publicación, Hugh Hefner. Para Page no fue tan rentable. Yeager amasó una fortuna con aquellas fotos y no la compensó.

Al terminar la década desapareció. Aunque en los 80 renació el interés por su imagen pedía no ser retratada. En la película sobre el cómic Rocketeer (1991), la novia del protagonista, Jenny Blake (encarnada por Jennifer Connelly), se inspira en Bettie Page.

Muchos de sus posados incluían escenas de fetichismo, bondage (práctica sexual que emplea ataduras) y spanking (azotes). Su imagen dio expresión a las fantasías eróticas de varias generaciones. Su imagen inspiró un modelo de voluptuosidad que inspiró personajes femeninos de películas y cómics.

Bettie Page encarnaba el estereotipo del optimismo de los cincuenta y al mismo tiempo la sexualidad que se agitaba oculta bajo la superficie“, según señalan Karen Essex y James L. Swanson en el ensayo Bettie Page: The life of a pin-up legend (1996).

Page se confesaba abrumada por toda la atención que suscitaba, y aseguraba que no se sentía especialmente guapa. De hecho, añadía, tenía que ponerse grandes cantidades de maquillaje para cubrir su grandes poros.

A partir de los 70 tuvo que luchar contra la esquizofrenia. Falleció en 2008 en Los Ángeles a los 85 años tras sufrir una neumonía.

Isabel Muñoz …

 

Se considera a la fotógrafa Isabel Muñoz (Madrid, 1951) una de las mejores y más comprometidas fotógrafas españolas. Utiliza el retrato como medio para acercarse a diferentes culturas y denunciar situaciones injustas. Entre sus trabajos más conocidos destacan las series sobre las maras de Guatemala, la esclavitud, la tribu de los surma de Etiopía y Sudán o los efectos del terremoto en Bam.

Su obra se pueden encontrar en la Maison Européenne de la Photographie de Paris, el New Museum of Contemporary Art de Nueva York, el Contemporary Arts Museum de Houston o en colecciones privadas.

Entre los premios obtenidos: World Press Photo 2000 y 2005, premio de fotografía de la Comunidad de Madrid en 2006, Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes 2009, Premio PhotoEspaña 2009. Recientemente galardonada con la medalla de oro al mérito en Bellas Artes.